On passe le seuil des 150 chroniques cette année avec ce nouveau Comité d’écoute, second depuis la relance du concept à la rentrée. Comme souvent, en attendant le spécial hip-hop qui suivra, la sélection est on ne peut plus hétéroclite, avec un certain nombre d’inclassables qui méritaient bien plusieurs avis pour tenter d’en circonscrire l’univers atypique. Bonnes découvertes à celles et ceux qui nous suivront en terrain inconnu !

Elnorton : Confession, je ne suis pas un inconditionnel de Blonde Redhead devant l’éternel. J’aime beaucoup ce groupe, et je lui garde une affection toute particulière en raison d’un concert interrompu, en 2004, suite à une pluie diluvienne à La Route du Rock de Saint-Malo. Premier festival, à quinze ans, ça marque. Et ça m’avait surtout permis, touché par cet arrêt, de creuser la discographie du groupe et me prendre une belle claque avec Misery Is A Butterfly.
Mais depuis, pas grand-chose, si ce n’est un intérêt pour 23 et un concert sympathique à La Nouvelle Vague, toujours dans la cité corsaire, en 2015. Je n’ai pas réussi à prendre le bon wagon pour être fasciné par Penny Sparkle et encore moins par Barragán. Tant pis pour moi.
Mais ce Sit Down for Dinner me réconcilie - si tant est que j’en avais besoin - avec le trio. Mélodies imparables, délicats arpèges et arrangements impeccables, que peut-on demander de plus au combo ? La dream-pop est moins électrique - et peut-être même audacieuse - qu’aux débuts, mais le charme opère et l’ennui n’intervient pas, contrairement aux deux opus précédents sur lesquels il apparaissait que les compositions, certes bien troussées, généraient rapidement une lassitude polie. Sans renverser la table, sans même se hisser dans la même catégorie qu’un Misery Is A Butterfly, Sit Down for Dinner est un chouette album auquel il manque peut-être seulement une poignée de titres plus percutants.

Rabbit : Beaucoup plus amateur du groupe que mon compère, je reste évidemment sous le charme crève-cœur de l’inégalé Misery Is a Butterfly mais également très client, dans leur dernière partie de carrière, de l’épuré Penny Sparkle et plus récemment de l’EP 3 O’Clock qui avait bien remis les pendules à l’heure après le décevant Barragán. Autant dire que j’attendais - ou du moins espérais - beaucoup de ce Sit Down For Dinner annoncé en interview comme la possible dernière collaboration d’un groupe qui ne s’y retrouve plus... et absolument pas déçu, bien au contraire tant Blonde Redhead et en particulier Kazu, toujours en charge des mélodies, renouent ici avec la sensibilité poignante des plus belles heures, qu’elle soit elle-même au micro (sur un Kiss Her Kiss Her morriconien aux accents dub, le douloureux et presque silencieux Sit Down for Dinner Part 1, le plus classique et néanmoins désarmant Before ou l’onirique et tristounette ballade finale Via Savona, potentiel chant du cygne idéal) ou le délègue comme souvent au guitariste Amedeo Pace (les superbes Snowman, dont les onomatopées ne sont pas sans évoquer Gainsbourg, ou If), sur fond d’arrangements baroques plus proches que jamais de l’esprit de Misery... et d’une instrumentation plus impressionniste tirant le meilleur du minimalisme de Penny Sparkle, l’association parfaite en somme. Quelques "temps faibles" plus acoustiques ou bluesy (Not For Me, Rest of Her Life, Thought You Should Know) sont certes là pour rappeler que l’on n’est pas tout à fait revenu en 2004, mais aussi pour mettre en valeur les moments d’émotion du disque, qui s’avère dans l’ensemble franchement réussi et surtout rapidement attachant.

Ben : Plutôt aligné avec Elnorton et Rabbit, j’ai trouvé cet album très agréable, dégageant une forme de mélancolie nonchalante du meilleur goût. Si je confesse une préférence pour la sobriété d’Amedeo Pace sur l’introductif Snowman ou l’excellent Not For Me, Kazu Makino fait des merveilles sur Melody Experiment et, surtout, le très enlevé Before. Rest of Her Life est une très belle ballade, les moments d’ennui sont rares et aucun morceau ne suscite le rejet (même si l’ingé son semble avoir malencontreusement coincé le volume de la reverb au max sur Kiss Her Kiss Her). Pour autant, il manque quelque chose à Sit Down For Dinner pour le faire entrer véritablement dans la catégorie des albums inoubliables. Toujours plaisant, mais jamais génial.

Ben : Son léché, production impeccable (mention spéciale à la section rythmique), le nouveau Great Falls ambitionne de cogner fort. Ce serait malhonnête de dire qu’il ne le fait pas. Le groupe s’affranchit du carcan des formats et c’est tout à son honneur. Et, certes, la diffusion de Trap Feeding dans un bar bondé, un soir de énième élimination du PSG en huitièmes de finale de Champions League, contribuera à déclencher une bagarre générale - ce qui n’est pas rien. Mais n’est pas Frodus qui veut et force est de constater qu’il manque le principal : les compositions.

Le Crapaud : De la composition, il y en a ! Le dernier morceau de l’album, long de 12 minutes, est un bouquet de reliefs à lui tout seul. Plein de sursauts, de ponts, de montagnes russes et, évidemment, de spectaculaires chutes d’eau. Mais je rejoins Ben sur un point : cet impeccable album de noise hardcore, chaotique, au son puissant, en dépit de ses reliefs, ne donne pas vraiment l’envie de s’y plonger à l’envi. Il y a pourtant de sacrés raz-de-marées ! La section rythmique, en effet, est pachydermique. Les breaks sont bien troussés. Quand elle n’appuie pas les riffs, la guitare est particulièrement retorse, criarde à souhait. Mais rien ne reste vraiment en tête. A force de bifurquer d’un bord à l’autre du spectre hardcore (du screamo-émo à l’indus le plus désincarné), à grands coups de belles démonstrations, on s’épate puis on oublie. Alors, de là à parler d’absence de composition, non, mais d’un manque de fantaisie, oui.

Rabbit : Si l’on est effectivement dans le hardcore voire le post-hardcore ici à bien des égards, rappelons que Demian Johnston notamment, à la guitare et au chant, vétéran des musiques extrêmes de Seattle, vient d’univers nettement plus radicaux, du metal au drone doom, lesquels privilégient souvent l’atmosphère à l’image du génial Trailed & Kept qui demeure l’un de mes albums de chevet des années 2010. Tout ça pour dire que si pour moi non plus les compos ne manquent pas sur Objects Without Pain, tout en contrepieds sanglants et changements de tempo saisissants, ce qui m’impressionne le plus sur ce disque est avant tout de l’ordre du malaise, une fébrilité papable qui en transcende l’intensité et la puissance de frappe à chaque instant et fait à mon avis de ce sixième long-format du groupe (hors split albums), capable de breaks surprenants à la lisière de l’expérimentation, un incontournable des musiques bruyantes cette année.

leoluce : Alors bien sûr, on pourrait débattre longtemps du concept de composition ("manière de former un tout en assemblant plusieurs éléments", "étape où le compositeur conçoit l’œuvre musicale de manière à ce qu’elle corresponde à l’expression sonore de sa pensée", etc.) et il me semble difficile d’attaquer Great Falls sur ce point là. Le tout est facilement identifiable et on cerne très bien le fond de la pensée du trio. D’autant plus que l’animal maîtrise ses armes et qu’elles apparaissent plus que jamais comme une extension de leurs corps : dès qu’une idée naît dans l’encéphale, elle se retrouve propulsée au bout des doigts. Et les idées de Great Falls, seringue plantée dans le flux stressé et nauséabond de la mégalopole, ne sont pas jolies jolies. Objects Without Pain malaxe le malaise comme personne, plante son regard dans la petite boule noire vibrionnante nichée au creux du ventre et ça donne ces huit morceaux impressionnants. À chaque fois, je me dis que Great Falls a enfin atteint le cœur et qu’il ne pourra pas faire plus déchirant et à chaque fois, j’ai tort. Jusqu’au prochain probablement, cet album est une nouvelle fois leur meilleur. Le plus sombre, le plus torturé, le plus labyrinthique, le plus varié avec ses îlots de calme relatif très réussis permettant de reprendre son souffle au milieu du chaos et sa masse grouillante qui en décuple l’envergure. Et puis rien à faire, la voix, les cris, les suppliques de Demian Johnston sont parmi les plus douloureuses et authentiques qu’il m’ait été donné d’entendre, ce gars pourrait hurler le dictionnaire que je souffrirais quand même avec lui. Une nouvelle fois accompagné d’un nouveau batteur (Nickolis Parks), Great Falls met sur pied un album définitif et terriblement addictif. Grand œuvre.

Riton : Team conquis également ! Team fan de la première heure, aussi ! Faut dire qu’avec un tel pachyderme il m’aurait été difficile de passer outre l’écrasement : la marche débutée en 2013 avec Accidents Grotesque a gagné en lourdeur : on suffoque, on étouffe sous les assauts post-hardcore doomisants mais on tressaute aussi lorsque les rythmiques s’emballent, que les fûts s’excitent et la basse grogne (quel son !). On les rangerait à tort et trop facilement aux côtés d’un Amenra (bien que la comparaison ne soit pas ridicule...) mais ils méritent amplement d’écrire leur nom en gros, en gras, et bien haut. Pas étonnant de les retrouver désormais au catalogue du fameux Neurot Recordings.

Le Crapaud : Dans ce post-rock électro-acoustique, aux allures early-Tortoisiennes, on entre par une porte vitrée constellée de petits points lumineux, qui s’ouvre lentement, vers le ciel, et donne sur un espace matrixien, où des êtres hybrides, organiques et digitaux, cultivent leur jardin et jouent à la marelle avec, pour guise de caillou jeté, les choix aléatoires d’une intelligence artificielle désœuvrée. Voilà ce que m’inspire, après de multiples écoutes immersives, ce Distorted Rooms. Que ce soit par le rythme prenant d’une batterie qui saccade, ou par les notes déposées d’une basse parcimonieuse, ou encore les soubresauts distordus d’une machine à l’état sauvage, la musique du trio viennois irradie le cerveau, le pénètre et berce les synapses, vous titille d’un doigt le lobe temporal et de l’autre, vous grattouille le pavillon. Vous l’aurez compris, Radian ne fait pas dans le zen, mais vivifie l’imaginaire. Bande-son parfaite pour un K. Dick, un Mathieu Bablet, ou pour vous laisser glisser dans votre propre univers binaire d’humain connecté. John Cage 2.0.

Rabbit : Il y a effectivement du Tortoise versant expérimental, en particulier sur un morceau comme Cicada avec ses polyrythmies entêtantes, percus cristallines et autres circonvolutions mélodiques, dans cette vision de la musique électronique soutenue par de vrais instruments et une dynamique irrésistible sans la moindre raideur. On pense aussi un peu au Four Tet de la première moitié des 00s (qui devait lui-même beaucoup à Tortoise) mais force est de constater que le trio viennois a une singularité bien à lui, avec d’emblée ce Cold Suns particulièrement déstructuré dont les variations et altérations de textures servent d’éléments musicaux à part entière, puis un C At the Gates au groove plus présent mais toujours aussi biscornu avec sa rythmique en constante exploration et ses saturations métamorphes. Serait-ce donc une sorte de dub-ambient perfusé au post-rock voire au krautrock (Skyskryp12, S At The Gates), une electronica microtonale d’indie band à la The Notwist (Stak), une cousinade d’Oren Ambarchi voire pourquoi pas d’Oval pour cette approche très musicale et organique du glitch ? Il me faudra explorer la discographie du groupe, que je découvre à peine malgré 20 ans passés sur le génial label Thrill Jockey, pour espérer percer les mystères de cet univers de toute évidence atypique et passionnant.

Elnorton : Ça part dans tous les sens, mais dans le bon sens - justement - du terme ! Belle découverte que ce disque, et sans doute ne me serais-je jamais penché dessus sans ce Comité d’écoute qui a donc toute sa raison d’être, et pas seulement pour nos lecteurs. Mes camarades évoquent l’influence de Tortoise, assez claire, mais je vais surtout rebondir sur la parenté d’Oval et The Notwist pour ajouter une autre filiation allemande, assez manifeste à mes yeux. Dès les premières notes du premier titre, l’ambiance m’a replongé dans le Silur de Tarwater, disque de chevet inusable et indémodable. Jolie comparaison donc, et le reste de l’album de Radian est à l’avenant, plein de contrepieds sans jamais se renier. À recommander aux adeptes de labels tels que Morr Music ou même Mute Records, assurément.

Riton : Si Thrill Jockey est un de mes labels fétiches, je dois avouer que, tout comme l’ami aux grandes oreilles, je ne découvre les Autrichiens qu’avec ce sixième album ! Grand bien me fasse ! Tout ce rattrapage en commençant par la fin, avec comme l’impression de se retrouver devant un puzzle gigantesque aux pièces balancées négligemment sur une table beaucoup trop petite... et dieu sait que je déteste les puzzles ! Tiens parlons-en de Dieu ! Parce qu’il y a de toute évidence quelque chose de résolument divin avec ce Distorted Rooms et chez Radian de manière générale, à déconstruire ses boucles, ajouter des couches de bruits et de micro-éléments qui irradient un ensemble savant curieusement organique qui s’apparente à une sorte de post-kraut du futur pour les rêveurs. Mon nouveau groupe préféré !

Rabbit : Parti il y a une douzaine d’années d’un univers assez lofi, Saåad, d’abord projet du seul Romain Barbot rapidement rejoint par Gregory Buffier, a su cultiver et affiner son ambient gothique aux accents mystiques, jusqu’au superbement produit et très épuré Pr​é​sence Absente de 2018 qui en mettait de côté les affleurements noisy pour toucher à une dimension plus méditative que l’on retrouve aujourd’hui sur A Crimson Shore, de même que cette prédominance des synthés rétrofuturistes à forte connotation cinématographique dont la puissance d’évocation révèle quelques atomes crochus avec un Ben Chatwin aka Talvihorros par exemple. À nouveau seul aux manettes, le Toulousain Romain Barbot qui officie également dans FOUDRE ! (projet où il côtoie Paul Régimbeau aka Mondkopf) développe ici un storytelling instrumental particulièrement cohérent, au gré de 6 compos dronesques stellaires et majestueuses (From All the Places That I’ll Never See) qui semblent cheminer du fatalisme vers une forme d’espoir diffus, de la confrontation inéluctable avec la mort (le magnétique et dissonant I Can’t Push The Death Away) ou les blessures inguérissables de l’existence (le tragique Open Wounds puis Stay et son climax de lyrisme électronique) au foisonnement vibratile des futurs possibles (Elusive Goals, encore sombre alors que se dessine peu à peu une issue tangible) tandis que s’efface non sans une profonde mélancolie l’ombre de cette menace que l’on avait presque appris à aimer (The Hanging Sword Over the Fainted Shadow). Un sommet !

Ben : C’est à l’aveugle que je m’avançais vers l’écoute de ce Crimson Shore, tout juste escorté des mots - dithyrambiques - de Rabbit à son sujet. Force est de constater qu’il a raison. Ce Saåad a un orchestre entier dans ses synthés ! Le liminaire I Can’t Push The Death Away navigue sur les eaux d’un existentialisme SF du meilleur cru et From All The Places That I’ll Never See entraîne l’auditeur à des milliers de kilomètres dans un passionnant voyage immobile. Tout est beau, mélodique, subtil et de bon goût (les synthétiseurs qui sonnent comme des cors sur le morceau final qui évoque les compositions crépusculaires d’Espen Lund). On a parfois l’impression d’entendre Wagner et Beethoven croiser le fer avec Zimmer. Assurément, A Crimson Shore est mon coup de cœur de cette sélection. Sublime.

leoluce : À nouveau seul aux manettes mais enrichi d’un parcours musical du genre foisonnant (collaborations multiples, compositions de B.O., de pièces de commande, implication dans FOUDRE !, Sables Noirs, etc.), Romain Barbot, plus que jamais, est Saåad. On retrouve ici tout le côté cyclique de l’entité, le goût prononcé pour l’arc de cercle, le périmètre et l’arrondi : les pièces s’appuient sur des boucles agrégées en cycles vibrants, agrémentées de drones et de pulsations introspectives. Les claviers insondables semblent contenir l’ensemble des sons possibles compris entre le doux et l’inquiet, fournissant une matière qui tourne sur elle-même. Les morceaux se confrontent ou se répondent tour à tour, touchant tantôt les frontières sombres et crépusculaires, tantôt l’errance lumineuse et solaire. Je reprends les mots de Ben : c’est un "voyage immobile", long et mélancolique qui, une nouvelle fois, impressionne. Mag(nif)ique.

Le Crapaud : Dans l’archipel bouillonnant des groupes surfant sur une vague jazzo-noisy (ou punko-jazzy, c’est selon), et dans la lointaine filiation d’un Zappa, d’un Zorn, d’un Patton, et par le compagnonnage précieux, en France, de labels, dont on a souvent parlé ici, tels que Coax, Dur et Doux, Becoq Records, Saddam Webcam est une des formations les plus originales que j’ai pu entendre. Mais soyons clairs : toute cette originalité repose sur la voix. La section rythmique (basse/batterie) est justement ce qui permet d’inscrire cette musique dans la lignée des zouaves cités précédemment. Elle ne propose rien de vraiment nouveau dans le genre. Mais avec beaucoup de vigueur et de précision, ce power-rock déglingué pose les fondations massives d’un édifice solide. Mais parlons de la voix. Une voix féminine d’abord, ce qui change (même si elle rappelle les voix foldingues des groupes amis comme Ultra Zook ou Poil) et qui chante en français (encore une fois, dans la lignée des précédents, auxquels on peut ajouter les Chromb !). On ne comprend pas tout. Les mots sont parfois enfouis sous le déluge de basse saturée et de cymbales frappées et les envolées lyriques nous éloignent souvent du sens de ce qui est dit. Mais ici, ce n’est pas le sens qui importe, seulement la sonorité. D’où les répétitions, les confusions, les mots-valises mal fermés. Ce qui importe, c’est cette liberté de prendre les mots comme des notes et de les transporter du bas en haut de la voix, suspendus à des arabesques baroques, des éclats suraigus, des roulements de bouche, des grognements, des cris... Bref, il y a là une telle profusion de voix et d’idées, dans cette collision brutale entre le noise rock et le chant lyrique, que cette nouvelle formation mérite qu’on y tende l’oreille.

Rabbit : J’y ai cru le temps de l’introductif Dolorosa avec les petits accents Deerhoofiens ludiques et acidulés du chant de Jessica Martin Maresco mais ses vocalises s’avérant beaucoup plus grandiloquentes et maniérées par la suite (et participant en effet, par moments, d’une sorte de mixture noise borborygmique à la Zorn/Patton mais en plus régressif que cauchemardé, cf. Saké chaud par exemple - l’artwork donne d’ailleurs le ton), j’ai rapidement eu du mal. Au contraire du Crapaud, ce sont ces vocalises trop extraverties, au contrastes trop volontairement marqués et souvent au bord de l’hystérie, qui me sortent d’un disque dont le minimalisme basse déglinguée/batterie hachée ne me parlait pas beaucoup plus de toute façon.

Ben : Dilemme moral : descendre un groupe émergent est inutile et va à l’encontre de mes principes. En même temps, le but du Comité est de donner mon avis et j’ai détesté. En tant que musicien, j’ai toujours préféré un "je déteste" à un "c’est sympa". J’espère que le groupe comprendra. Attention, Saddam Webcam est loin d’être dénué de qualités (pêle-mêle : excellents instrumentistes, chanteuse assurément talentueuse, production impeccable), mais trop, trop, trop de tout ! L’effort de proposer quelque chose de nouveau est louable, mais il prend ici à mon sens le pas sur le principal : les morceaux. Je ne peux toutefois que conseiller aux oreilles curieuses d’écouter cet album.

Elnorton : Peut-être seul client de l’équipe, pour le coup, mais je ne pouvais passer sous silence l’amour que je porte à cet album. L’objectivité me manquera possiblement - la concision aussi - en bon fan de Slowdive que je suis, mais il est rare qu’après plus de trois décennies d’existence, une formation produise rien de moins que son meilleur album.
Les fans de Souvlaki me condamneront pour parjure, mais je pèse mes mots. La genèse d’Everything Is Alive est particulière puisqu’elle a débuté avant les périodes de confinement, et l’album a - lui aussi - été contaminé par ces temps particuliers tandis que Rachel Gowsell et Simon Scott ont chacun perdu l’un de leurs parents durant ce processus créatif. De quoi voguer vers des contrées sombres ? Pas seulement. Neil Halstead a principalement avancé seul sur la composition, tentant de tracer un sillon singulier, bien que nécessairement touché par la lourdeur de l’ambiance globale.
Et il en ressort des pépites telles que Chained to a Cloud et son inattendu arpeggiator auquel les effets et habituels arrangements de Slowdive se marient étonnamment bien, ou encore l’imparable single Kisses, un The Slab de clôture rappelant aussi bien les cendres de Mojave 3 que Stereolab, la contrition minimaliste de Prayer Remembered ou enfin, cerise sur le gâteau, le morceau de l’année à savoir Skin in the Game, résumé et synthèse parfaite de ce que devrait être le shoegaze des années 20, en prolongement de l’excellent éponyme de 2017 : quand ambition et assurance se mêlent à la candeur et à l’évidence. Quand on a dit tout cela, on a déjà cité plus de 60% d’un album qui ne contient aucune fausse note mais qui, peut-être, aurait gagné à dépasser ces 42 minutes réparties sur 8 morceaux seulement. C’est qu’on en redemande, d’autant plus que le groupe en avait encore sous le capot (Rachel parle d’une version électronique de Kisses renversante) et s’est limité à cette durée pour ne pas altérer la qualité sonore en vinyle. Dommage, car qui écoutera ce disque sous ce format ?

Rabbit : Pas sûr que la prédilection du vinyle soit un si mauvais plan, à l’heure où ce format plébiscité par les collectionneurs aisés et autres instagrameurs compulsifs est en passe de rattraper le CD en termes de vente en dépit des l’explosion des coûts de fabrication... et exceptionnellement on ne leur jettera pas la pierre puisque l’objet s’avère étonnamment abordable au regard des taros actuels. Le problème, c’est surtout que cet Everything Is Alive n’a généré chez moi qu’un ennui poli et m’a semblé très mal porter son nom, avec ses allures de disque formolé nostalgique d’un hédonisme daté. Sans être un inconditionnel du groupe shoegaze, j’appréciais autant jusqu’ici la dream-pop douce et vibrionnante de Souvlaki que les hymnes plus dynamiques et percutants de l’album homonyme de 2017, retour plus qu’honorable... pour autant cette fois le coeur n’y est pas, le mien en tout cas tant ces nouveaux morceaux influencés tantôt par la kosmische musik ou la new wave m’ont paru génériques et désincarnés, pas complètement désagréables à l’écoute hormis pour le mixage des voix assez pénible sur certains titres (à commencer par le franchement pas terrible Skin in the Game) mais sans qu’il ne m’en reste rien ni aucune envie d’y revenir.

Ben : Pas loin de me joindre à la team Elnorton sur celui-là. Mais l’affaire est complexe. Il y a indéniablement dans cet album de franches réussites. Citons parmi elles l’instrumental Prayer Remembered et ses nappes cotonneuses ou le controversé Skin in the Game. Chained to a Cloud et son motif obsédant compte parmi les sommets de l’album, parvenant à ne pas lasser malgré son caractère répétitif et les presque sept minutes sur lesquelles l’étire le combo d’outre-Manche. L’harmonie des voix y fait merveille et le lyrisme du groupe est au service de la composition. Reste quelque chose qui accroche, qui résiste, dès la première écoute. Est-ce dans l’excès de reverb qui escorte les voix ? La longueur inutile de certaines compositions ? Ces sonorités synthétiques qui convoquent les fantômes de Fleetwood Mac et de Laurent Voulzy (Shanty) ? Everything Is Alive ne se laisse pas facilement saisir. C’est parfois la marque des très grands disques de résister à l’auditeur. Le temps et les réécoutes le diront.

Rabbit : J’avais bien adhéré au premier album Essaka Hoisa en 2019 mais on pouvait déjà sentir que la collaboration de l’ex vocaliste de King Midas Sound, Kiki Hitomi et du bassiste des cultissimes Seefeel du label Warp, Shige Ishihara, marchait sur le fil du bon goût, et que leurs hymnes mystico-tribaux à la croisée de MIA, d’une techno barrée, d’une électro tropicale et des musiques traditionnelles asiatiques risquait à tout moment de basculer de la joyeuse bizarrerie vers les abysses de la FM. Malheureusement c’est ce qu’il advient ici, plus d’incursions jazzy ni de transe habitée, on est pour l’essentiel dans un ragga binaire aux voix pitchées et aux productions désincarnées, qui n’hésite pas sur Hakke Yoi ou Religion Surfer à tirer sur quelque chose d’extrêmement racoleur, ce qui n’aide pas vraiment les titres plus technoïdes et anachroniques comme Eye Candy Man à fonctionner. On sauvera le japonisant et plus organique Hashtag Smile, ou Bad For My Soul Good For My Ego pour ses beaux restes de folie en dépit d’un trop-plein d’emphase, folie trop souvent synonyme par ailleurs de gloubi-boulga informe (Okame & Hyottoko) sur cet album que j’aurai probablement tôt fait d’oublier.

Ben : Je vais devoir une nouvelle fois m’opposer à mon cher Rabbit car cet album représente à mes yeux la synthèse (presque) parfaite du mainstream et de l’expérimental. Paru sur l’excellent label Phantom Limb, Hot Pot Totto se présente comme le petit cousin turbulent et grand public du 2562 Neon Flames de Neo Geodesia. L’album regorge de trouvailles et, surtout, de compositions entêtantes, au premier rang desquelles on pourra citer Shogyo Mujo. A lui seul, ce morceau définit l’univers de WaqWaq Kingdom : porté par une mélodie synthétique, émaillé de bruitages horripilants, ce titre synthétise pourtant ce que Jul - oui, oui - et MIA ont de meilleur. L’influence de cette dernière se fait particulièrement ressentir sur Buri Buri. Hashtag Smile séduit par son côté technoïde et l’introductif Hakke Yoi convainc grâce au dosage subtil de ses ingrédients. Si je rejoins mon compère sur le caractère trop propre et donc, pour reprendre ses mots, désincarné de la production, force est de reconnaître que le duo ne rechigne pas à expérimenter, quitte à désarçonner (le kaléidoscopique The Tower ou les très réussis RIP My Ego et Bad For My Soul Good For My Ego). L’écoute n’est pas toujours confortable et on ressort de l’album quelque peu essoré, mais avec l’impression d’avoir vécu une expérience enrichissante. Et ce n’est pas si fréquent.